Молодая экспериментальная фотография в России

Об авторе:

Дина Александрова.

Фотограф, куратор,

научный исследователь визуальных искусств,

автор курсов по пленочной фотографии (vk.com/alexandrova_dina)

Извечный вопрос о следовании искусства новым технологиям сегодня коснулся молодой российской публики. Перед современной экспериментальной фотографией в нашей стране открываются новые горизонты – использование ломографических практик и пинхола (pinhole) постепенно становится все менее актуальным. Равновесие между творчеством и прогрессом новое поколение художников ищет в смешанных техниках, не только используя уже открытые практики в чистом виде, но и соединяя их в одном визуальном пространстве. Наиболее актуальные в российском фотопроцессе техники – мультиэкспозиция и современный фотомонтаж – практически с самого зарождения фотографии нашли применение в авангардном искусстве.

Фотоэксперименталисты первой величины (Ман Рэй, Ласло Мохой-Надь, А. Родченкои др.) использовали фотомонтаж и фотоколлаж, а также мультиэкспозицию, в рамках искусства модернизма. Художники объединения «ЛЕФ» и школы «Баухауз» соединяли несколько фотографий в одном рабочем пространстве при помощи коллажа или классического фотомонтажа через фотоувеличитель. Так изготавливались афиши, политическиеи агитационные плакаты, предназначенные для пропаганды революционных идей в общественных массах. Первую фоторекламу в советское время создали Эль Лисицкий и Александр Родченко. Их метафорические композиции с использованием вышеназванных техник отличались конкретизированным характером и общедоступностью идей.

Однако эпоха авангардной фотографии длилась на Западе и в Советской России только десять лет – примерно с 1920 по 1930 гг. В дальнейшем передовые позиции заняли репортажные снимки и журналы мод, где были свои высоты и эксперименты. Примерно к 60-м годам

в западном фотоискусстве происходит возвращение к смешанным техникам. Ярче всего это проявилось в кругах современного искусства – кураторы галерей и ценители живописи сыграли важную роль в формировании творческих взглядов фотохудожников. Им были предоставлены пространства для экспонирования фотографии вне рамок понимания репрезентации того времени. Тогда фотография могла быть изготовлена из чего угодно, художникам вернули свободу, а главное – уверенность в значимости художественной фотографии и смелых шагов в искусстве. Все это происходило практически без политического и социального давления. Роберт Хайнекен писал о том времени: «…Я был совершенно свободен и мог резать снимки, комбинировать их и делать всё, что я захочу…что бы я ни снимал, в работе остается некая иллюзия реальности».

В выборе способов работы со снимками Хайнекен был не одинок. Его современники (Джерри Эльсман, Бетти Хан) также обращались к альтернативным процессам появления снимка: гумми-бихроматная печать, цианотипия и работа в фотолаборатории, ставшая тогда больше исследовательским кабинетом, чем местом появления фотографий. В том числе на фотоискусство того периода повлияли Роберт Раушенберг в области коллажированияи комбинированной живописи, Ричард Эстес, Роберт Бештле искусством гиперреализма (фотореализм)

Современная же волна нового фотомонтажа рассматривает исключительно художественные стороны снимка, применяя их как способ освоения визуальной реальности. Авторы стали менее зависимыми от моды, часто работающими для своего личного удовольствия. Даже не будучи профессионалом в области фотографии можно увидеть, что художники новой волны существенно расширили бытовавшее представление о фотоискусстве. Множество техник нарочито отчетливо применяется на одном снимке, после чего, как бы «поверх» них, автор мог использовать классический фотомонтаж через увеличитель или графический редактор, перенести изображение на бумагу и доработать его. Особенно это касалось мультиэкспозиции. Хорошим примером может послужить снимок Р. Мана «Ева», где использовано всего два наложения. На сегодняшний день авторы пошли дальше нескольких остановок кадра, они фиксируют внутри камеры реальность столько раз, сколько подскажет их чутье. Ман Рэй был модернистом, который точно знал, что он хочет получить. Современного же автора никак не расстроит неудачный исход замысла, а, возможно, и приятно удивит.

Незадолго до получения современной трактовки мультиэкспозиция и классический фотомонтаж были очень популярны в работах фотоминимализма. С помощью этих техник снимки становились монолитными, идеалистичными, и почти сразу завоевывали рынок галерей (как это было с художниками периода 60 – 80-х гг.). Однако то, что попадало в галереи еще тридцать лет назад, сейчас стало классикой для оформления квартир и офисов, но не ориентиром для молодого поколения фотохудожников.После затишья 90-х годов в российской фотографии, авторы стали вновь обращаться к визуальным экспериментам, тщательно работая с плоскостью и синтаксисом изображения. В подобную работу включается свободное комбинирование форм и очертаний с аллюзиями реальности, предоставляющее широкое поле для творчества. Тактика такого освоения визуальной реальности восходит к общему фундаменту постмодернизма и новым кураторским практикам – совмещению трех эстетик: дигитальной/цифровой, аналоговой и живописной. Новая визуальная ткань выкраивается в каком угодно порядке, объекты на ее площади интерактивно переплетены между собой, поглощенный ими зритель определяет историю изображения сам.Такой темп и направление развития связаны с экспансией информационной эпохи, веб-пространств и социальных сетей. Средства быстрой коммуникации меняют отношениек искусству, началу и концу творческого процесса. Поле фотоискусства становится с каждым годом шире и независимее от элитарной публики, которая ранее выступала учредителем «хорошего вкуса», «правил игры в искусство». При этом современные авторы стали более требовательными к качеству и содержанию своих работ. Для них уже недостаточно снимать только на цифровую камеру или правильно работать с аналоговыми материалами. Они осваивают лаборатории и создают свои мастерские, контролируют получение изображения от съемки, проявки, изменения его в графических редакторах до печати, как цифровыми способами, так и классическими и альтернативными. В отличие от ломографических практик, современная экспериментальная фотография независима и предполагает работу с различными материалами. Наблюдается общий эклектизм комбинированных техник, среди которых мультиэкспозиция и фотомонтаж пока вышли на первое место по частоте употребления.

Условно можно выделить три этапа создания изображения. Первый этап – съемка, проявка и оцифровка или выбор цифровых файлов и перенос их в редактор. Второй шаг – работа с изображением в графических редакторах. Иногда вместо него возможна ручная печать и работа с изображением на фотоувеличителе (тонирование, маскирование, софтирование, монтаж). Третий – это печать и дальнейшая художественная обработка изображения, которая может подразумевать применение различных техник: от коллажа до раскрашивания изображения красками, покрытия специальными лаками для создания реалистичного глянцевого эффекта (отсылки к гиперреализму). Безусловно, не все изображения, создаваемые в современном периоде фотоискусства, проходят все указанные ступени создания. Этапы описаны, скорее, для обозначения наиболее определяющих тенденций работы с изображением.

Уходя от теоретизации, хотелось бы рассказать о своем понимании фотографии и творчестве на примерах.

Для автора фотография – это мир безусловной энергии, вектор которой – открытие новых материй красоты и граней мира. После первого опыта с камерой автора интересовала лишь живопись, возможность использовать фотоаппарат как инструмент вскрытия действительности, а полученный результат переводить на плоскость холста, работать с ним вручную. Однако для осуществления замыслов необходимо было пройти путь «фотографического» , постичь семантику фотоизображения не только в теории, но и на практике. Перейти же черту классического понимания сьемки, уничтожить границы и правила фотографирования помогли стрит – фотография и сьемки в северной Африке. Современный фотохудожник может сегодня снимать московские улочки в традиционном, «открыточном» стиле, а завтра – их же, но переведя камеру в режим мультиэкспозиции, искажая перспективу, меняя восходящие линии диагоналей композиции на нисходящие. После проявки материала можно перевести полученное в цифровой вид, соединив два разных контекста материала в один. Такие эксперименты возможны и со старыми фотографиями, которые могут быть совмещены с новым материалом.

На снимке «В небо» была применена мультиэкспозиция при съемке, затем искусственно вклеен самолет в графическом редакторе. Вопрос этичности не был определяющим – завершение работы виделось именно деталью летящего самолета. Автор пытается использовать все подручные средства, любые старые снимки, которые лежали в архивах «на выброс». Такова художественная фотография нашего времени, и постпостмодернистское пространство – это единственный временной и художественный пласт, в котором данный автор чувствует себя свободно.

Эпоха информационного общества размыла последние грани постмодернизма, отныне нет больше границ, нет центра, нет соединяющего начала. Эта свобода развязывает авторам руки настолько, что истина становится многогранной, каждый определяет ее самостоятельно, открывает ее в своем сердце.

Зачастую автору интересно расширять рамки существования объекта. Окно на снимках «Три жизни окна» было сфотографировано на стене полузаброшенного здания. Изначальная картинка весьма патриархальна, но окно стало пластичным материалом, перенесенным в три разных стихии: неба, камня асфальта и воды. Было любопытно, как оно будет смотреться в совершенно разных контекстах; оказалось, в каждом их них – вполне органично. Здесь фотография сродни химическому эксперименту, только над фотографической природой, интересно изучение движения объектов в разных плоскостях.

Для автора важно построить свои изображения на узнаваемости форм и аналогии их с реально существующими объектами, поэтому нельзя обойтись без метафор и аллюзий. В работе «Ожидание» здание представляет собой две похожие на лестницу структуры – призрачную и четкую. Обе ставят перед главным героем непростую задачу выбора, преграждают дорогу и отсутствуют одновременно. Корабль будто спрятан от того будущего, в которое смотрит девушка. Два идентичных здания – заблуждение и ответ, лишь сам герой определяет, каков будет следующий шаг. Идея снимка появилась после прочтения книги А. Грина «Алые паруса», осмысления его фразы, вдохновляющей не одно поколение – «Чудеса нужно делать своими руками».

Фантазия и юмор, конечно, тоже не чужды автору. Работа «Пальма» – это мечта видеть среди берез пальмы, среди «каменных джунглей» – настоящие заросли. Одинокая пальма специально поставлена в самый центр изображения, возможно, это даже своеобразное нарушение такта перед взглядом зрителя. В то же время наложения нарочито

не убраны, формы просвечиваются сквозь другие формы, хотя они должны быть явными, кричать, заявлять. Однако автору всегда хочется дистанцировать зрителя от полного погружения. Незачем навязывать другим своих героев и мысли, зритель сам вправе выбирать и искать себя. Авторские же герои – не более, чем мираж.

История фотографии: Ломография

Что же представляет собой ломография? Ее можно рассматривать как попытку возвращения в доцифровое прошлое. История ломографии началась в 1991 году в Вене, Австрия, когда два студента купили своего рода игрушечные камеры и снимали все, что они видели. Друзья фотографировали все без особого разбора и даже не обращали внимание на то, как получались фотографии. Когда они распечатали те снимки, они поразились, какими они вышли. Так как они решили выставить эти фотографии в качестве экспонатов, им пришлось зарегистрировать Ломографическое Общество, чтобы получить спонсорскую помощь. С тех пор такой способ фотографирования превратился в популярный тренд.

Что такого особенного в ломографии? Вам не нужно быть профессиональным фотографом, чтобы придерживаться стиля, потому что все фотографии должны быть сделаны «с бедра». Это означает, что нет необходимости выбирать композицию или перспективу фотографии. Стоит отметить, что лучше положиться на непредсказуемость фотографии, так как наиболее впечатляющие снимки были сделаны по чистой случайности. Техника предполагает, что фотограф готов идти на эксперименты и при этом быть внимательным к окружающему его миру. Это настоящий подход «направь и снимай»! Фотографию можно считать стоящей, если на ней сочетаются удивительные цвета, забавные искажение перспективы, и, конечно, те снимки, в которых эмоции бьют через край. Каждая ломография должна представлять мир таким, какой он есть.

Инструменты для фотографирования. Ломография берет свое начало от названия советской фотокамеры ЛОМО Компакт-Автомат, которую использовали изначально. Это аналоговый фотоаппарат, который вышел в свет в 1984 году. Однако, это не единственная камера, с помощью которой делают ломографические снимки. Наиболее популярными среди них были Горизонт-Компакт со 120-ти градусными линзами, Oktomat с 8-ю объективными линзами, фотоаппарат Fisheye со 170-градусной линзой, Holga и Diana – фотокамеры средних размеров, которые до сих пор удерживают первенство, и многие другие.

Ломография и поныне остается популярной в качестве альтернативы цифровым продуктам, а творения в этом стиле считаются «счастливой случайностью». И знаете что? Мы не можем с этим не согласиться.

Vitaliy Gaitov

Kostik Grigoriev

kylethefrench

mrorient

История фотографии: Первые манипуляции с фото

В наше время такие программы, как Photoshop, Instagram, Pixia, Paint.net и другие делают нас невосприимчивыми пользователями, которые судят не об изображении, а больше о технике обработки. А вот ранее, до начала цифровой эры, фотографам приходилось на славу потрудиться, да и вложить немалое количество денег, чтобы воплотить свои идеи в жизнь. Целью таких фотоизощрений было желание либо развлечь, либо вызвать какие-то ощущения, например, патриотические.

Фотографы изменяли свои снимки при помощи наложения двух и более изображений на один негатив. Для изменения оригинального снимка использовались техники многократного экспонирования, комбинированной печати (на одном отпечатке было изображение с нескольких негативов), ретуширование или перекрашивание негатива, фотомонтаж и другие методы. Поэтому создание фотографического шедевра требовало умение пользоваться чем-то кроме фотоаппарата.

Музей Искусств Метрополитен собрал более 200 произведений, созданных в период с 1840-х до 1990-х годов и обработанных авторами. На их основе создали выставку под названием «Фальсификация: Фотографии, Обработанные до Photoshop». Все фотографии изображали разные сферы деятельности: искусство, торговлю, сферу развлечения, политику, новости и многое другое, поэтому были разделены на подсекции. Отделение «Улучшенные фотографии» включает в себя снимки, обработанные красителями, разными пигментами, благодаря чему они выглядят более яркими, а недостатки носителя становятся менее заметными. Фотографии, которые составляют секцию «Трюки во имя искусства» либо изображают аллегорические предметы, либо отдают дань пикториализму. «Политика и Убеждение» объединяет снимки, сделанные с целью увеличить пропагандистский эффект изображения. Раздел «Новшества и Забавы» представляет фотографии, предназначенные для развлечения, в то время как «Изображения в печати» собирает в себе картины, якобы предназначенные для печати в журналах, газетах и так далее. Последняя секция носит название «Photoshop» и содержит работы второй половины 20-го столетия.

Выставка стартовала в Нью-Йоркском музее 11 октября 2012 года и продолжалась до 27 января 2013. Некоторые из фотографий представлены здесь.

Абердинские Портреты №1, Джордж Вашингтон Вилсон (1857)

Мужчина, жонглирующий своей головой, Неизвестный (1880)

Анри де Тулуз-Лотрек, Морис Жибер (1892)

Колорадо Спрингс, Уильям Генри Джексон (1913)

Мужчина на крыше с одиннадцатью мужчинами на плечах (1930)

Комната с Глазом, Морис Табард (1930)

Дирижабль, пришвартованный на Эмпайр Стейт Билдинг (1930)

История фотографии: Цифровые фото

Наступление цифровой эры означало смену манеры фотографирования, как и носителя для снимков. Эти факторы и определяют разницу между аналоговой и цифровой фотографией. Традиционно, в фотоаппарате использовались пленочные катушки для запечатления и хранения изображения, в то время как цифровые устройства работают на основе датчика изображения. Это миниатюрный силиконовый чип с миллионом светочувствительных элементов (диодов). Каждый такой элемент улавливал и записывал интенсивность и яркость света. Изображение хранится как набор цифр (в цифровой записи), который при необходимости переводится в полноцветное изображение, с сохранением всех деталей. Цифровые фото давали большие возможности для обработки изображения, так как код можно с легкостью изменить при помощи компьютера, планшета или смартфона и программ Photoshop, Instagram, Aperture и им подобным.

Мы все знаем, что мы можем сделать с цифровым изображением, но не все знают, каким образом и как давно у нас появилась возможность создания цифровой фотографии. Попробуйте угадать хотя бы временные рамки… несколько лет, десятилетие или даже несколько? На самом деле, цифровую фотографию изобрели почти 40 лет назад, а посодействовало этому развитие астрономических исследований и идея передачи изображения с космоса на землю.

Хотя первый спутник был запущен еще в 1957 году, технологии, позволяющие передать изображение появились лишь в 1969 году, когда Джордж Смит и Вилард Бойл изобрели оптический полупроводниковый сенсор (CCD), что, по сути, не что иное как датчик изображения.

Датчик изображения

Годом позже датчик встроили в видеокамеру, но только в 1975 году Стивен Сассон, который работал на компанию Истмен Кодак, презентовал миру первый цифровой фотоаппарат.

Первый цифровой фотоаппарат Стивена Сассона

Как вы можете видеть, устройство было далеко от современного компактного и стильного цифрового фотоаппарата. Изобретение весило 3,6 кг и могло похвастаться разрешением 0,01 Мр. Не лишним будет упомянуть, что он делал черно-белые снимки, при этом запись изображения на цифровою кассетную пленку занимала 23 секунды. Но это еще не все. Необходимо было столько же времени, чтобы считать изображение и вывести его на экран. Сразу становится понятно, почему этот продукт не стал выпускаться для массовой продажи. Что действительно смешно, первая фотокамера для пользователей была выпущена компанией Apple в 1994 году. Вы можете не согласиться, ведь компания Sony выпустила камеру Sony Mavica в 1981, но она работала с застывшими кадрами видео.

Поэтому, если брать в общем, то цифровая фотография появилась не так уж и давно. Но вот завязли мы в ней всерьез.

История фотографии: Фотосъемка как искусство

Сейчас фотография по праву считается видом искусства, но когда она только появилась, дело обстояло совершенно по-другому. После популяризации процесса фотографирования, лишь немногие воспринимали его как что-то большее, нежели дополнительный инструмент для улучшения картин, рисунков, гравюр, литографии и графики. Обычной сферой применения фотографирования оставались студии художников и полицейские участки. Некоторые исследователи и ученые использовали фотографию, чтобы запечатлеть новые земли, места, открытые разновидности и т.д. В то же время фотографы использовали ее в коммерческих целях: они открывали специальные салоны, где производили фотосъемку всех желающих заплатить.

Однако, к концу 19 века зародилось движение фотографов, которые поддерживали идею значимости фотографии и необходимости рассматривать ее как вид искусства. Пикториалисты, такие как Альфред Стиглиц, Джон Жарковский, Эдвард Стайхен, Ф. Холанд Дэй и Эдвард Уэстон пытались подражать стилю живописи, используя кисти и краски при обработке снимков. Фотохудожники рассматривали такой подход как передачу мечтательной и романтической стороны жизни.

Venetian Canal (1894) by Alfred Stieglitz

Winter – Fifth Avenue (1893) by Alfred Stieglitz

Как противоположное направление, возникло движение из 11-ти фотографов, которые объединились в «Группу f/64» и пропагандировали новый взгляд на сущность фотографии. Среди пионеров были Ансел Адамс, Имоджен Каннингем, Консуэло Канаго, Джон Пол Эдвардс, Престон Холдер, Альма Лавенсон, Генри Свифт, Соня Носковьяк, Вилард Ван Дайк, Брет Уэстон и Эдвард Уэстон. К слову, Эдвард Уэстон был изначально приверженцем пикториализма, но позже решил отвергнуть его идеалы и перейти на сторону реалистичного отображения действительности в фотографии. Группа получила свое название от размера диафрагмы фотографической линзы, наименьшего отверстия в широкоформатных фотоаппаратах того времени. Считалось, что апертура f/64 обеспечивает всю возможную глубину резкости и поэтому позволяет запечатлеть изображение с большей площадью и резким фокусированием. Основная гипотеза этой идеи заключалась в том, что человеческий глаз не в силах воспринять мир так четко, как это может сделать фотоаппарат, потому что зритель постоянно переносит личные предубеждения на предмет. Группа использовала контактный метод печати, они прикладывали бумагу непосредственно к негативу без использования увеличителя. К тому же, эти фотографы использовали глянцевую и художественную бумагу вместо матовой, так как такие материалы придавали контурам некоторую размытость. 

Нагота (1927), Эдвард Уэстон

Озеро МакДональд, Ансель Адамс

Облака – Белый путь (1936), Ансель Адамс

Что касается цветной фотографии, за право называться видом искусства еще стоило побороться, ведь ее сравнивали с ретушированной реальностью, сокрытую под красителями. К 1960-м годам лишь немногие музеи и галереи рассматривали фотографию как часть наследия изобразительного искусства. А вот начиная с 1976 года, стало допустимо рассматривать фотосъемку именно так. В этом году вышел альбом Уильяма Эглстона «Guide», который поддержал Джон Жарковский, куратор отделения фотографии в Музеи Современного Искусства. 

Мэгги Экхарт (1964), Ричард Аведон

Ролинг Стоунз (1963), Терри О’Нейл 

Фэй Данауэй (1977), Терри О’Нейл

История фотографии: Мгновенные фото

В середине 20-го столетия пытливые умы наслаждались цветной фотографией, но процесс проявки пленки был настолько изощренным, что требования обычных людей породили спрос на что-то более легкое в использовании. Как гласит наиболее распространенная легенда, одна маленькая и любопытная девочка спросила у своего папы, почему нельзя увидеть фотографию сразу после того, как она снята. Этим отцом был Эдвин Лэнд, который в скором времени изобрел фотоаппарат, печатающий фотографии.

Polaroid стал первым фотоаппаратом, способным производить мгновенные фотографии. Аппарат стал набирать популярность среди энтузиастов фото. Покупатели получили возможность использовать это устройство в 1947 году, когда фотоаппарат выпустили на рынок. Однако, прежде чем технологии, использованные в устройстве, смогли достигнуть таких горизонтов, был изобретен еще один процесс фотографирования. Процесс гидротипии протекал внутри самой фото камеры. Его принцип работы основывался на взаимодействии красителей, реагентов и эмульсии слоев пленки. Фактически, гидротипия комбинировала в себе аддитивный и субтрактивный процессы, которые проходили на разных слоях пленки и объединялись влиянием реагентов. Основной алгоритм такого процесса включает проявление негатива изображения, его перенос и проявление создание позитива изображения одновременно. Завершало процесс экспонирование фотографии на свету.

Polaroid давал возможность пользователям снимать фотографии в движении, запечатлевая все важные (и не очень) моменты жизни для создания семейного альбома. Этот фотоаппарат был полностью независим от фотолаборатории, разного рода проявителей, дополнительных покрытий и стабилизаторов. Сначала фотографии, которые снимались на Polaroid, были черно-белыми, но вскоре стали полноцветными. Хотя качество было далеко не пределом мечтаний, фотокамера стала популярной из-за простоты использования и мгновенных результатов фотографирования.

Немногие знают, что кроме Polaroid существовали и другие производители устройств и материалов для мгновенной фотографии. К примеру, можно вспомнить о компании Kodak и ее фотоаппаратах Kodamatic и Colorburst, производство которых прекратилось из-за неразберихи с патентами. К тому же, был еще и Instax от Fujifilm, причем он существует и по сей день. Но, к сожалению, пользователи ассоциируют мгновенную фотографию только лишь с Polaroid.

История фотографии: Кодахром

До изобретения хромогенного проявителя фотографы использовали аддитивный метод обработки фотографии. В 1911 году Рудольф Фишер изобрел хромогенный проявитель, который сменил старый способ фотообработки на новый субтрактивный. Этот проявитель позволил получить цветное изображение вместо черно-белого.

Тем не менее, понадобилось 20 лет для того, чтобы разработать первую субтрактивную пленку. В начале 1930-х годов Леопольд Маннес и Леопольд Годовски изобрели цветную пленку, в которой использовался хромогенный проявитель. Технологию купил Истмен Кодак и запустил на рынок под названием Кодахром. Это была первая цветная обратимая пленка, которая практически монополизировала рынок фотографических и кинематографических носителей. 

Кодахром – это черно-белая пленка, состоящая из нескольких слоев, на которой не было никаких следов красящих элементов. Это значит, что во время проявки фотографии необходимо было добавлять красящие элементы. Делать это следовало очень аккуратно, потому что при малейшей ошибке цветовая передача могла отличаться от оригинала. Когда съемка производилась на пленку Кодахром, необходимо было только одно экспонирование для записи латентного изображения с тремя основными цветами. Процесс принципиально отличается от аддитивной фотографии, при которой необходимо последовательно экспонировать снимок для каждого из основных цветов. Такое новшество стало возможным благодаря тому, что пленка состояла из трех слоев: сначала слой, чувствительный к синему, потом — зеленому, а затем красному. Иногда после синего слоя использовали дополнительный желтый. Такой фильтр выступал в качестве барьера и не позволял синему влиять на последующие два цвета. Подобная комбинация слоев обладала рядом преимуществ по сравнению со своими современниками, так как обеспечивала четкость изображения и лучшую цветопередачу.

Кодахром известна как пленка с самой продолжительной историей: со дня ее выхода на рынок и до последней пленки, у которой есть собственная история, прошло 74 года. 

«Афганская девочка» (Шарбат Гула) Стив Мак-Карри