Сейчас фотография по праву считается видом искусства, но когда она только появилась, дело обстояло совершенно по-другому. После популяризации процесса фотографирования, лишь немногие воспринимали его как что-то большее, нежели дополнительный инструмент для улучшения картин, рисунков, гравюр, литографии и графики. Обычной сферой применения фотографирования оставались студии художников и полицейские участки. Некоторые исследователи и ученые использовали фотографию, чтобы запечатлеть новые земли, места, открытые разновидности и т.д. В то же время фотографы использовали ее в коммерческих целях: они открывали специальные салоны, где производили фотосъемку всех желающих заплатить.
Однако, к концу 19 века зародилось движение фотографов, которые поддерживали идею значимости фотографии и необходимости рассматривать ее как вид искусства. Пикториалисты, такие как Альфред Стиглиц, Джон Жарковский, Эдвард Стайхен, Ф. Холанд Дэй и Эдвард Уэстон пытались подражать стилю живописи, используя кисти и краски при обработке снимков. Фотохудожники рассматривали такой подход как передачу мечтательной и романтической стороны жизни.
Venetian Canal (1894) by Alfred Stieglitz
Winter – Fifth Avenue (1893) by Alfred Stieglitz
Как противоположное направление, возникло движение из 11-ти фотографов, которые объединились в «Группу f/64» и пропагандировали новый взгляд на сущность фотографии. Среди пионеров были Ансел Адамс, Имоджен Каннингем, Консуэло Канаго, Джон Пол Эдвардс, Престон Холдер, Альма Лавенсон, Генри Свифт, Соня Носковьяк, Вилард Ван Дайк, Брет Уэстон и Эдвард Уэстон. К слову, Эдвард Уэстон был изначально приверженцем пикториализма, но позже решил отвергнуть его идеалы и перейти на сторону реалистичного отображения действительности в фотографии. Группа получила свое название от размера диафрагмы фотографической линзы, наименьшего отверстия в широкоформатных фотоаппаратах того времени. Считалось, что апертура f/64 обеспечивает всю возможную глубину резкости и поэтому позволяет запечатлеть изображение с большей площадью и резким фокусированием. Основная гипотеза этой идеи заключалась в том, что человеческий глаз не в силах воспринять мир так четко, как это может сделать фотоаппарат, потому что зритель постоянно переносит личные предубеждения на предмет. Группа использовала контактный метод печати, они прикладывали бумагу непосредственно к негативу без использования увеличителя. К тому же, эти фотографы использовали глянцевую и художественную бумагу вместо матовой, так как такие материалы придавали контурам некоторую размытость.
Нагота (1927), Эдвард Уэстон
Озеро МакДональд, Ансель Адамс
Облака – Белый путь (1936), Ансель Адамс
Что касается цветной фотографии, за право называться видом искусства еще стоило побороться, ведь ее сравнивали с ретушированной реальностью, сокрытую под красителями. К 1960-м годам лишь немногие музеи и галереи рассматривали фотографию как часть наследия изобразительного искусства. А вот начиная с 1976 года, стало допустимо рассматривать фотосъемку именно так. В этом году вышел альбом Уильяма Эглстона «Guide», который поддержал Джон Жарковский, куратор отделения фотографии в Музеи Современного Искусства.
Мэгги Экхарт (1964), Ричард Аведон
Ролинг Стоунз (1963), Терри О’Нейл
Фэй Данауэй (1977), Терри О’Нейл